[스크랩] 만화를 미술로 승화시킨 로이 리히텐슈타인

내용	미술, 만화로 다시 태어나다 아래 그림은 만화가 김은희의 작품 『INDIAN SUMMER 』의 넷째 이야기, 「온화한 하루」에 나오는 장면이다. 그림 속 두 여자가 매우 낯익다. 입체주의 미술가 파블로 피카소의 ＜해변을 달리는 여자들＞을 본떠 그려서다. ＜해변을 달리는 여자들＞은 피카소가 1922년에 그린 작품이다. 작품 속에는 제1차 세계 대전으로 병든 유럽에 대한 환멸과 충격에서 벗어나려는 의도가 담겨 있다. 거금 5천 달러를 모아 피카소의 그림을 사고 싶어한 만화 속 주인공 역시 일상에서 벗어나고 싶은 바람이 간절했던 것 같다. 그래서 피카소의 그림이 울려내는 파도 소리를 듣고 싶어한 게 아닐까.  <김은희 『INDIAN SUMMER』 1998 서울문화사 > 이제껏 만화는 흑백의 예술이었다. 컴퓨터 사용자가 많아지면서, 젊은 만화가들은 만화에 색을 입히기 시작했다. 채색 작업은 단순한 캐릭터 디자인을 넘어 분량이 많은 극만화에도 일반화되고 있다. 특히 스포츠 신문이나 온라인 매체에 실리는 만화는 꼭 채색을 한다. 시각 효과를 높이기 위해서다.  김은희는 단순히 만화에 색을 입히는 데 그치지 않고 「온화한 하루」에서 보듯이 미술을 만화 안으로 적극 끌어들였다. 피카소의 원화를 그대로 빌려와 만화 용지에 색을 입히고, 원화의 이미지에 이야기를 더하여 단편 미술 소설을 완성한 것이다.   미술을 만화에 옮겨 심는 작업을 가능하게 한 사람이 있다. 코흘리개 꼬마한테까지 간편하게 먹고 버리는 맥도날드 햄버거 취급이나 당하던 만화에 미술이라는 왕관을 씌워준 화가. 그가 바로 팝아티스트 로이 리히텐슈타인이다. 만화를 미술로 보는 그의 눈이 없었다면 만화의 예술성은 훨씬 더 늦게 발견되었을 것이다.    만화를 미술로 옮긴 팝 아트   팝 아트는 1950년 영국에서 먼저 조짐을 보였다. 비평가 로렌스 앨러웨이와 리처드 해밀턴 등이 그 씨앗을 뿌렸다. 1960년대로 접어들면서 팝 아트는 영국보다 미국에서 더 지지를 얻는다. 영국과 미국에서 받아들이는 견해가 서로 달랐기 때문이다. 영국 팝 아트는 자본주의가 낳은 인간 소외와 물질주의를 비판했다. 미국 팝 아트는 자본주의를 비판의 대상이 아닌, 함께 가꿔 나가야 할 사회로 받아들였다. 그래서 미국 팝 아트는 자본주의 구조를 예술 소재로 삼는다.  미국 팝 아트는 추상표현주의에 대한 반감에서 나왔다. 추상표현주의자들은 이들을 비난했지만 미국 팝 아트는 대중 문화의 욕조 속에 미국인들을 몰아넣었다.  미국 팝 아트의 가장 큰 특징은 자본주의의 꽃인 대중 매체를 적극 활용한다는 점이다. 팝 아트는 TV와 영화에서부터 만화 이미지에 이르기까지 소재를 가리지 않았고 제작방법에도 제약이 없었다. 실크 스크린, 신문ㆍ잡지 광고, 마릴린 먼로, 엘비스 프레슬리, 코카콜라, 미키마우스, 교통 표지판, 포스터 등 소재가 무궁무진하다. 이것들은 시각적으로 분명하고 쉬운 이미지인데다가 미국인이라면 누구나 알고 있다는 점에서 팝 아티스트들의 눈길을 끌었다. 팝 아트는 대량 복제가 가능했기 때문에 대중에게 더욱 쉽게 다가갈 수 있었으나, 그러한 특징은 팝 아트를 키치 문화로 낙인찍히게 하는 결과를 낳기도 했다.  팝 아티스트들은 넘쳐나는 상품들과 대중 매체가 가져온 혼란 속에 발딛고 선 대중 예술가였다. 그들은 팝 아트가 저속한 자본주의 대중 문화의 쓰레기라는 비판에 대해 나름의 대안을 마련하느라 고심했다. 대표적인 작가로 마릴린 먼로의 얼굴과 코카콜라의 이미지를 만들어낸 앤디 워홀, 거대 광고판을 이용한 제임스 로젠키스트, 헝겊으로 햄버거나 아이스크림을 만든 클래스 올덴버그, 만화를 미술에 응용한 로이 리히텐슈타인 등이 있다.    만화로 미술을 배운 로이 리히텐슈타인   로이 리히텐슈타인은 1923년 미국 뉴욕에서 태어났다. 그림은 14세 때 파슨즈 디자인 학교에서 토요일마다 배웠는데, 그냥 취미 삼아 그렸다고 한다. 당시 그의 관심사는 재즈 음악가와 피카소의 그림이었다.   리히텐슈타인은 1961년 아들한테서 팝 아트에 만화를 응용하는 계기를 얻는다. 아빠 직업을 묻는 친구들에게 아들이 추상표현주의 화가라고 했더니, 한 친구가 추상표현주의 화가는 데생을 못한다고 놀린 것이다. 화가 난 아들이 리히텐슈타인에게 그 이야기를 했고, 그는 그 자리에서 아들에게 미키마우스를 그려주었다. 이 작품이 그를 최고의 팝 아트 작가로 올라서게 하는 계기가 되었다.  <카드놀이를 하는 입체주의 화가＞ 리히텐슈타인은 출판 만화에서 이용하는 말풍선을 작품에 적용했다. 형상들의 생각과 언어를 보여주기 위해서다. 1964년부터는 색의 가치를 높이기 위해, 인쇄나 사진의 표현 기법인 벤데이 망점과 환등기를 사용했다. 리히텐슈타인은 전쟁 만화, 순정 만화, 혹은 인쇄 광고에서 유행하는 양식까지 응용했다. 그는 '팝 아트의 이미지는 대부분 대량 생산과 소비 상품, 광고에 바탕을 두며 일상용품, 대중 매체, 대중 문화는 이 주제 아래 놓여 있다'고 생각했다.  다음 세 작품을 보면 리히텐슈타인의 작품 세계를 좀 더 쉽게 이해할 수 있다. <카드놀이를 하는 입체주의 화가＞는 피카소의 영향을 보여준다. 입체주의의 영향은 다른 팝 아티스트들도 마찬가지다. 단지 작가마다 달랐다고 할 수 있지만 오브제를 이용하느냐 아니면 평면을 그리느냐 하는 정도의 차이일 뿐이었다. ＜붓자국＞은 추상표현주의의 영향을 받았다는 평가를 받는다. 특히 표현 방법에서 리히텐슈타인은 거침없는 붓 놀림에 색채 망점을 대비하여 사용한다. 이 작품은 1967년에 제작한 것으로, 로이 리히텐슈타인도 회화 기법을 사용했음을 보여준다. 이런 점에서 그는 전통적인 회화 양식을 완전히 탈피하지는 못한 것 같다. 그리고 ＜카드놀이를 하는 입체주의 화가＞에서 평면 위에 단면 혹은 다각면으로 공간을 구분하는 방식에서는 물체의 구도와 배치에 대한 그의 집착을 엿볼 수 있다. ＜차 안에서＞는 만화를 응용한, 그의 팝 아트의 결정판이라고 할 수 있다. 이 작품이 나왔을 때 비평가들은 지나치게 상업예술과 연관시키려 하고 있다고 비판했고, 그는 대중오락과 예술이 일상에서 어떤 역할을 하는지 따져볼 필요는 있다고 응수했다. 덧붙여 그는 만화가 유머의 기본요소이며, 예술을 창조하는 밑거름이라고 주장해 만화의 미술화를 옹호했다.   로이 리히텐슈타인 ＜붓자국＞ 1967 종이에 흑연 56.5×76.2cm  로이 리히텐슈타인 ＜차 안에서＞1963 캔버스에 만화 172×203.5cm 켄 에른스트 ＜해군, 돈 윈슬로우＞ 1942 종이에 만화     미술은 이제 만화다워져 가고, 만화는 더욱 미술다워져 간다   리히텐슈타인의 작품은 글과 그림으로 이루어진 정지 화면이며, 흑백이 아닌 컬러 그림이다. 글과 그림, 색채가 만났으니 표현하고자 하는 의도가 뚜렷할 수밖에 없다. 관객도 그림이 뿜어내는 자극을 쉽게 받아들일 수 있다. 그렇다면 그의 작품은 만화인가? 의외로 이 의문은 쉽게 풀린다. 리히텐슈타인은 만화를 그린 것이 아니다. 이미 존재하는 만화를 회화로 다시 구성한 것이다. 만화를 회화의 소재, 즉 오브제로 삼았을 뿐이다. 당연히 재료나 표현 방식은 만화와 다르다. 리히텐슈타인은 '만화라는 매체'가 아니라, '만화 매체의 특성'을 잘 살렸다고 할 수 있다.  강성수 ＜뻘건 눈＞   만화는 글과 그림이 조화를 이룰 때 매체로서 전달 기능을 한다. 글과 그림은 상황이나 작가 의도에 따라 무게 중심이 달라지기도 하지만 무게 중심을 잃지는 않는다. 그 속에서 만화는 이야기를 구성한다. 컷 하나에도 의도가 담겨 있다. 물론, 리히텐슈타인의 작품에도 글과 그림이 함께 묶여 있다. 그런데도 이야기 구조가 없다. 단지 만화 한 컷을 따왔기에 이야기 흐름을 추측할 수조차 없다. 말하고자 하는 의도도 읽어내기 어렵다. 그래서 그의 작품은 잘 베낀 한 컷의 이미지 같다. 물에 빠진 소녀, 하늘에서 공중전을 벌이는 전투기, 노려보는 뚱뚱한 개 등 모든 캐릭터는 상품 위에 새겨진 색감 풍부한 디자인으로 존재한다. 그는 팝 아트의 기교에 지나치게 얽매이는지도 모른다. 아니면 추상표현주의의 내용은 잃어버리고 형식에만 집착하는 매너리즘에 빠졌는지도 모를 일이다.   강성수의 ＜뻘건 눈＞은 유화를 사용하고 컴퓨터로 작업했다. 이 만화는 다소 난해하고 성적이다. 암탉과 수탉이 나누는 성교 장면을 몰래 훔쳐보는 사람들을 묘사했다. 남의 은밀한 사랑놀이를 엿보는 관음증 환자들. 그들의 눈매가 지나치게 초롱초롱하여 음침하기까지 하다. ＜뻘건 눈＞이라는 제목이 무색할 정도로 짙은 녹색이 인물의 표정과 눈동자를 대신한다.  두 작품을 비교해 보자. 누가 리히텐슈타인의 그림을 미술이라고 단정하고, 강성수의 그림을 만화라고 단언할 수 있겠는가? 이제 미술은 만화다워져가고, 만화는 더욱 미술다워져간다. 김은희의 「온화한 하루」가 미술 만화다운 매력도 바로 여기에 있다.  세 그림에 공존하는 미술 요소와 만화 요소. 그 경계선은 어디쯤에 있을까?    리히텐슈타인이 말하는 일상, 미국 지상주의  리히텐슈타인의 작품은 지극히 미국적이다. 팝 아트가 영국에서 먼저 조짐을 보였지만, 시대 조류를 주도한 것은 미국의 팝 아티스트들이다. 오늘날 세계를 움직이는 힘은 미국에 있고 예술을 포함한 모든 분야에서 아메리카니즘은 여실히 드러난다. 리히텐슈타인의 ＜나는 자유를 사랑합니다＞는 자유의 여신상을 통해 미국이 얼마나 자유를 사랑하는지 보여준다.  영국과 유럽의 팝 아트가 사회 문제를 제기하고 철학에 골몰해 있는 동안 미국 팝 아트는 이미지로 대중을 사로잡았다. 이미지가 모든 것을 삼키고 만 것이다. 리히텐슈타인은 다양한 자본주의 문화를 소재로 삼는다. ＜TAKKA TAKKA＞는 자본주의 산업의 추앙을, ＜차 안에서＞는 남녀의 애정 행각을 표현하고 있다. 이같은 미국 성향은 미국 중상류 생활을 상징하는 인테리어를 소재로 한 작품에서도 곧잘 드러난다.  그는 지나치게 상업적이라는 비평가들의 입을 '일상'이라는 말로 모두 틀어막았다. 그러나 그가 말하는 일상은 미국의 현실에만 갇혀 있지는 않은지 물어볼 일이다.     김은희 삶에 관하여 [글 : 박창석(만화이론가, 한국만화문화연구원 선임연구원)]

출처 : 한승준 만화창고

글쓴이 : 한승준 원글보기

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